Cine y Performance: Expandiendo los límites

En la era del cine digital y la globalización, los límites entre géneros cinematográficos y otras disciplinas artísticas se han vuelto cada vez más difusos. A medida que la tecnología avanza, también lo hace la forma en que los creadores de arte interactúan y experimentan con el lenguaje audiovisual. A continuación, te contamos la historia de dos proyectos revolucionarios que han cambiado la forma en que entendemos el cine y la performance en el arte contemporáneo.

«The Clock» de Christian Marclay

En 2010, el artista y cineasta suizo Christian Marclay presentó su obra maestra «The Clock», una instalación de video de 24 horas que consiste en miles de fragmentos de películas y programas de televisión que representan relojes o mencionan el tiempo. Cada clip está sincronizado con la hora del día en tiempo real, convirtiendo la obra en un reloj funcional y una experiencia cinematográfica única.

«The Clock» es un ejemplo perfecto de cómo se pueden fusionar el cine y la performance en una obra de arte contemporánea. Al reunir fragmentos de películas de diferentes épocas, géneros y culturas, Marclay crea una narrativa fluida y envolvente que obliga a los espectadores a cuestionar su relación con el tiempo y la memoria.

«Sleep» de Max Richter

El compositor británico Max Richter es conocido por su habilidad para combinar la música clásica con elementos electrónicos y experimentales. En 2015, lanzó «Sleep», una obra musical de ocho horas de duración diseñada para ser escuchada mientras se duerme. Sin embargo, lo que hace que «Sleep» sea una verdadera fusión de cine y performance es su presentación en vivo.

En sus espectáculos de «Sleep», Richter y su conjunto musical tocan la pieza en su totalidad durante la noche, mientras los espectadores duermen en camas dispuestas en el lugar del evento. La experiencia combina elementos de cine, música y performance en un evento inmersivo que desafía las convenciones de los conciertos tradicionales y la relación entre el público y los artistas.

Estos dos proyectos demuestran cómo el cine y la performance pueden unirse en formas innovadoras y sorprendentes, rompiendo las barreras entre disciplinas artísticas y expandiendo las posibilidades de la creación contemporánea. En un mundo en constante evolución, es emocionante imaginar cómo seguirá desarrollándose el arte en las próximas décadas.


[Workshop de Live Cinema]

Inscríbete a este taller y crea tu propio proyecto de Live Cinema con el reconocido artista JL Martin (Antropotrip). Puedes encontrar más información aquí.

Escuchando lo invisible: El arte del diseño sonoro en la pantalla grande

Cuando George Lucas concibió «La guerra de las galaxias», tenía claro que quería transportar a los espectadores a un universo completamente distinto al nuestro. Para lograr esto, no solo se necesitaban efectos visuales espectaculares, sino también un diseño sonoro que hiciera sentir al público como si realmente estuvieran en una galaxia lejana.

Para lograr este objetivo, Lucas contrató a Ben Burtt, un joven diseñador de sonido que rápidamente demostró su talento para crear efectos sonoros únicos e inolvidables. Burtt se sumergió en la creación de un universo sonoro que incluía desde el zumbido de los sables de luz hasta los rugidos de las criaturas alienígenas.

Innovación y experimentación: el lenguaje de los personajes no humanos

Uno de los mayores retos que enfrentó Burtt fue dar vida a los personajes no humanos de la película, como R2-D2 y Chewbacca. En lugar de recurrir a sonidos preexistentes, Burtt experimentó con grabaciones de animales y objetos cotidianos para crear voces únicas y expresivas para estos personajes icónicos. El resultado fue un lenguaje sonoro que se sintió auténtico y emocionalmente resonante.

Los sables láser: un sonido icónico en la historia del cine

Burtt tenía la difícil tarea de idear un sonido que fuera a la vez poderoso y etéreo, que evocara la energía y la gracia de estos guerreros galácticos. Para lograrlo, combinó dos sonidos completamente diferentes: el zumbido de un proyector de películas antiguo y la interferencia de un televisor en una habitación vacía.

Burtt grabó el sonido del motor de un proyector de cine en la sala de proyecciones de la Universidad del Sur de California, donde estudiaba en ese momento. Este sonido mecánico y constante proporcionó la base para el zumbido de los sables láser. A continuación, Burtt descubrió accidentalmente el otro componente clave del sonido mientras grababa la interferencia de un televisor en una habitación vacía. Al mover el micrófono hacia atrás y hacia adelante frente al televisor, Burtt notó cómo el sonido cambiaba de tono e intensidad, creando un efecto similar al que se produce cuando los sables láser se balancean en el aire.

Una vez que tuvo ambos sonidos, Burtt los mezcló y los modificó electrónicamente para crear el sonido característico de los sables láser. El resultado final es una mezcla perfecta de lo mecánico y lo etéreo, de lo antiguo y lo futurista, que ha llegado a simbolizar el enfrentamiento eterno entre el bien y el mal en la saga de Star Wars.

Entrevistas con Ben Burtt sobre la creación sonora de Star Wars

Últimos lugares: Taller de Diseño y Postproducción Sonora

Durante Mayo, Adrianna Maldonado (Coordinadora de Postproducción en Labo Digital y diseñadora sonora de múltiples series y películas en plataformas como Netflix, Mubi y HBO) impartirá un taller enfocado en Diseño Sonoro para Cine. Puedes encontrar más información aquí.

Quizás te interese:

Cuando el Sonido crea una Experiencia: «Apocalypse Now»

Cuando el sonido crea una experiencia: «Apocalypse Now»

En 1979, Francis Ford Coppola estrenó «Apocalypse Now», una adaptación de la novela «El corazón de las tinieblas» de Joseph Conrad, ambientada en la Guerra de Vietnam.

Walter Murch, el diseñador de sonido de la película, fue pionero en el uso de técnicas de sonido envolvente para crear una experiencia auditiva única. Su enfoque innovador en la edición de sonido y trabajo en mezcla transformó la forma en que se percibía el diseño sonoro en el cine.

La escena del helicóptero: narrativa y sonido en perfecta armonía

Una de las escenas más icónicas de «Apocalypse Now» es el ataque aéreo de los helicópteros al amanecer, acompañado por la música de Richard Wagner. Esta escena es un ejemplo perfecto de cómo la música, el diseño sonoro y la narrativa se unen para contar una historia impactante y emocional.El estruendo de los helicópteros mezclado con la música de Wagner crea una atmósfera intensa y apocalíptica que sumerge a los espectadores en el caos de la guerra. La sincronización perfecta con la acción en pantalla realza la sensación de desesperación y destrucción.

Esta escena de ataque aéreo no solo es icónica por su uso magistral de la música, sino también por los efectos y el diseño sonoro que la enriquece. Al analizar la escena, podemos comprender mejor cómo estos elementos se combinan para crear una experiencia cinematográfica impactante.

Los efectos de sonido en esta escena cumplen un papel fundamental en la construcción de la atmósfera y en la transmisión de la intensidad del combate. Los helicópteros son protagonistas en la secuencia, y su sonido característico es clave para sumergir a los espectadores en el escenario de guerra.

Walter Murch trabajó meticulosamente en la grabación y edición de los sonidos de los helicópteros para que fueran lo más realistas posible. Estos efectos de sonido proporcionan una base sólida sobre la cual se construye el resto del diseño sonoro de la escena.

Diseño sonoro: una mezcla dinámica y envolvente

Más allá de los efectos de sonido, el diseño sonoro de la escena del helicóptero juega con la ubicación y la dirección de los sonidos para crear una experiencia envolvente y dinámica. Murch utilizó técnicas innovadoras de mezcla en múltiples canales para posicionar los sonidos de los helicópteros en diferentes partes del espacio sonoro, haciendo que los espectadores sientan que están rodeados por la acción.

Además, el uso de la dinámica en el diseño sonoro es crucial para aumentar la tensión y el impacto emocional de la escena. Los momentos de silencio y calma son interrumpidos abruptamente por el estruendo de los helicópteros y las explosiones, lo que provoca un contraste emocional que refuerza la naturaleza caótica y desgarradora de la guerra.

El legado de «Apocalypse Now» en el diseño sonoro

El trabajo de Walter Murch en «Apocalypse Now» cambió la forma en que los cineastas y diseñadores de sonido abordan el sonido en el cine. Desde entonces, el diseño sonoro ha sido reconocido como un elemento crucial en la narración cinematográfica, y se ha explorado y perfeccionado a lo largo de los años.

La película también dejó un legado en la industria del cine, alentando a los cineastas a experimentar con técnicas de sonido envolvente y a crear experiencias auditivas más ricas e inmersivas para el público.

El caso de «Apocalypse Now» es un ejemplo notable del poder del diseño sonoro en la narrativa cinematográfica. La película sirvió como un punto de referencia para futuras generaciones de cineastas y diseñadores de sonido, mostrando cómo el sonido puede contar historias y evocar emociones, llevando al espectador a un viaje inolvidable.


ÚNICA EDICIÓN: Taller de Diseño y Postproducción Sonora

Durante Mayo, Adrianna Maldonado (Coordinadora de Postproducción en Labo Digital y diseñadora sonora de múltiples series y películas en plataformas como Netflix, Mubi y HBO) impartirá un taller enfocado en Diseño Sonoro para Cine. Puedes encontrar más información aquí.

Live Cinema

¿Qué es el Live Cinema y cómo está cambiando nuestra percepción del cine?

El Live Cinema es una forma de arte audiovisual en la que el cine, la música, el teatro y la tecnología se fusionan para ofrecer una experiencia cinematográfica en tiempo real. A diferencia del cine tradicional, que presenta una película ya filmada y montada, el Live Cinema se realiza y se proyecta simultáneamente, permitiendo una interacción única entre los artistas y el público.


El Live Cinema tiene sus raíces en las primeras proyecciones cinematográficas del siglo XX, cuando los músicos en vivo acompañaban las películas mudas. Con el tiempo, esta práctica evolucionó y se fusionó con otras disciplinas artísticas, como la performance, el videoarte y la tecnología digital.

Hoy en día, el Live Cinema es una forma de arte en constante evolución que desafía los límites de la narrativa y la creatividad.

Algunos de los formatos del Live Cinema:

El Live Cinema puede adoptar múltiples formatos y estilos, como:

VJing: Es la práctica de mezclar y manipular videos en tiempo real, a menudo en conjunto con un DJ o músico en vivo. Los VJs (Video Jockeys) utilizan programas de software y controladores para generar imágenes y efectos visuales que complementan la música.

Performance audiovisual: Combina elementos de teatro, danza, música y video en una única presentación en vivo. Los artistas interactúan con las imágenes proyectadas, creando un diálogo entre lo virtual y lo real.

Cine-concierto: Aquí, una banda sonora en vivo acompaña a una película, generalmente clásica o de cine mudo. Los músicos interpretan la música en sincronía con las imágenes proyectadas en la pantalla.

Instalaciones interactivas: Estas obras de arte permiten al público interactuar con el contenido audiovisual a través de sensores, controladores y dispositivos móviles. La participación del público influye en el resultado de la obra, convirtiéndola en una experiencia única y personal.

El impacto del Live Cinema en la experiencia cinematográfica

El Live Cinema está cambiando nuestra percepción del cine al ofrecer una experiencia más inmersiva y participativa. La combinación de elementos en vivo y la interacción entre artistas y público crea un ambiente dinámico e impredecible que despierta emociones y estimula los sentidos.

Al redefinir los límites de la creatividad y la tecnología, el Live Cinema también abre nuevas oportunidades para los cineastas y artistas que buscan experimentar con nuevos formatos y narrativas.

El futuro del Live Cinema

A medida que la tecnología avanza y las herramientas de producción audiovisual se vuelven más accesibles, el Live Cinema continua creciendo y evolucionando en nuevas y emocionantes direcciones. La realidad virtual y aumentada, la inteligencia artificial y las redes 5G tienen el potencial de transformar aún más la experiencia del Live Cinema, permitiendo una inmersión más profunda y nuevas formas de interacción entre artistas y público.


[LIVE CINEMA EN MÉXICO]
Workshop de Live Cinema

Si te gustaría explorar y diseñar tu propio proyecto de Live Cinema, tienes la posibilidad de acceder a un workshop con el reconocido artista JL Martin (Antropotrip). Puedes encontrar más información aquí.

Taller de Cine Documental Social

Hacia un Cine de Impacto

El Festival de Cine Independiente de la Ciudad de México en colaboración con Red Nacional de Arte convocan al taller “Documental Social: Hacia un Cine de Impacto”. Este taller es parte del Programa Académico del festival, creado durante el 2019 para promover el desarrollo cinematográfico independiente a través cursos, laboratorios y eventos dirigidos a interesados en el cine, las artes visuales y los nuevos medios.

Durante el taller, que se llevará a cabo de forma virtual del 15 al 22 de Diciembre de 2020, se desarrollarán proyectos de no-ficción que sean propensos a distribuirse ante públicos específicos en donde funjan como herramienta potencial de transformación social. Todas las sesiones se grabarán y los links se proporcionarán a los participantes para su descarga, con la intención de que no pierdan tiempo grabando desde sus dispositivos y aprovechen el taller al máximo.

Para más información, visitar el sitio https://festivalcineindependiente.com/documentalsocial

Susurro del Lago

Susurros del Lago competirá en el Festival Internacional de Cine de Morelia

La película de Adán Ruiz se presentará en el 17 FICM, el evento cinematográfico más importante del país.

Susurros del Lago, Dir. Adán Ruiz

El proyecto dirigido por Adán Ruiz comenzó apenas su recorrido por festivales. Se presentó en la pasada edición de Doqumenta, y estará compitiendo además en el Festival de Cine de Oaxaca y Black Canvas Festival de Cine Contemporáneo. Más festivales y proyecciones se estarán anunciando en los próximos meses.

Susurros del Lago (Poster), Dir. Adán Ruiz

La película fue filmada con habitantes no-actores de una isla en Michoacán:

Un pescador p’urhépecha medita sobre sus últimos días. En el lago que rodea su hogar, distintos tiempos coexisten, la luna eleva la marea y con su luz revela secretos que no son visibles durante el día. Poco tiempo resta antes de que el pescador quede atrapado para siempre en las aguas místicas donde susurran todas las voces.


El teaser tráiler de la película puede verse a continuación:

Con una fotografía de Francisco Herrera y música original de Mariana Bojorges y Frank Castella, el proyecto llegará a las pantallas morelianas en octubre próximo.

#FIVideodanza Oaxaca

Extensión del Festival Internacional de Videodanza de la CDMX en Oaxaca

El Festival Internacional de Videodanza de la Ciudad de México (#FIVideodanza) llevará a cabo proyecciones de videodanzas de pertenecientes a la última edición en Oaxaca como parte de sus actividades de extensión.

Las funciones serán el 10 y 11 de Septiembre del 2018 en Casa Abierta (Ignacio Allende 415, Centro, Oaxaca) a las 19:30 horas.

A continuación podrán encontrar la programación:

10 de Septiembre

  • Home Alone (Israel) Dir. Adi Halfin *Ganador de la 2da edición
  • HAGAKURE (葉隠, España) Dir. Nacho A. Villar y Luis Rojo *Mención honorífica 2da edición
  • Symbol (Reino Unido) Dir. Tom Andrew *Mención honorífica 2da edición
  • Vernae (EUA) Dir. Ethan Folk *Mención honorífica 2da edición
  • Memoria (Grecia) Dir. Maria Chatzimina
  • Frontera (México) Dir. Karen Ugalde
  • FAM (EUA) Dir. Genevieve Carson
  • Amuse (Países Bajos) Dir. Ivo van Aart
  • Send me a bigger butterfly (Alemania) Dir. Rain Kencana

11 de Septiembre

 

Ubicación:

La Mariachi, documental de Adán Ruiz

«La Mariachi» de Adán Ruiz se proyectará en el 45º Concordia Film Festival

El cortometraje documental formará parte de la sección «VISIONS».

La Mariachi, documental de Adán Ruiz

El documental «La Mariachi» (The Mariachi Woman) dirigido por Adán Ruiz y producido por el Centro Universitario de Estudios Cinematográficos (CUEC-UNAM) con el apoyo de Red Nacional de Arte como productor asociado, ha sido seleccionado para proyectarse en el 45º Concordia Film Festival en Montreal, Canadá.

Parte del programa VISIONS, se proyectará el 5 de Mayo a las 17 horas en Cinema de Sève, ubicado en 1400 Blvd de Maisonneuve Ouest.

Nancy es una mujer mariachi que fue encarcelada injustamente al ser confundida con un traficante de personas mientras intentaba cruzar la frontera con Estados Unidos. Ahora vive en México junto a su esposa Teo, con la que tiene un hijo. Diariamente acude a Garibaldi, el sitio más importante para el mariachi en el mundo, donde es una de las pocas mujeres mariachi y canta para sostener a su familia.

El proyecto, protagonizado por Nancy Velasco y Teo Saldivar, fue filmado en la capital del país y en el Estado de México. El trabajo de fotografía estuvo a cargo de Jaime Garrido, con sonido de Sebastián R. R. y Francisco Herrera como asistente de dirección.

La Mariachi, de Adán Ruiz
Uno de los fotogramas del documental.

«La Mariachi» es el primer proyecto cinematográfico apoyado por Red Nacional de Arte.

Convocatoria: 3 Bienal de Videoarte y Animación Puebla

Lugar: Puebla, México.

Cierra: 03 de Junio de 2018.

Con el propósito de impulsar la creación y divulgación de prácticas artísticas en formatos electrónicos y visuales, el H. Ayuntamiento de Puebla a través del Instituto Municipal de Arte y Cultura convoca a todos los artistas, video-artistas, cineastas, animadores y creadores a la 3ª Bienal Internacional de Videoarte y Animación Puebla 2018 (VEA), con la finalidad de reactivar y visualizar nuevas prácticas artísticas en el entorno poblano y generar diálogos con la producción artística internacional.

 

Convocatoria completa


 

Ceniza de los Pasos

El videoarte de Ceniza de los Pasos se exhibirá en Morelia

El videoarte de Ceniza de los Pasos se exhibirá en el Centro Cultural Clavijero, dentro del marco de los festejos por el 75 Aniversario del Volcán Paricutín.

Es la primera vez que la pieza se muestra en éste formato en México.

Ceniza de los Pasos

“Ceniza de los Pasos” es una creación coreográfica de Yuki Pastrana y Catalina Navarrete. Invita al espectador a sumergirse en la experiencia de recorrer el volcán Paricutín. Desde el lenguaje cinematográfico y la coreografía hace énfasis en las transformaciones que las erupciones provocaron en el paisaje. La cinefotografía de la pieza fue desarrollada por los michoacanos Adán Ruiz y Wences López.

En esta ocasión, el videoarte ha sido adaptado específicamente para su exhibición en la SALA 10 del Clavijero. Permanecerá durante el mes de Febrero por las actividades programadas en conmemoración del 75 aniversario del nacimiento del volcán Paricutín.

El histórico nacimiento del volcán Paricutín se remonta al año de 1943. Esta experiencia excepcional de la vulcanología recorrió el mundo, provocando la llegada de geólogos, investigadores y artistas para ser testigos del espectáculo. Es el único volcán que el hombre ha visto nacer.

Los creadores

 

Yuki Pastrana es creadora escénica originaria de Morelia, Michoacán. Su investigación es multidisciplina, siendo el eje de estudio el cuerpo en movimiento abordado desde la coreografía, apoyándose en los medios audiovisuales, el performance y el diseño. Es bailarina en danza contemporánea y danza urbana en compañías como Physical Momentum y Famky.

 

 

Catalina Navarrete egresó de la Escuela Nacional de Danza Clásica y Contemporánea del INBA como docente en danza clásica en 2014. Impulsó la producción de #CasAnormal (2015-16) junto a diversos artistas visuales y escénicos. Cómo intérprete ha colaborado en “Escuela de Sirenas” (2015) de Azha- reel Sierra, ”1.63 m/s2” (2013) de Eduardo Cortés y “Macho Man XXI” de Tania Pérez Salas (2016), por mencionar algunas.

 

 

Adán Ruiz

Adán Ruiz es fotógrafo, realizador y productor cinematográfico. Graduado de la licenciatura en Medios Interactivos, actualmente estudia cine en el CUEC-UNAM. Ha participado en cortometrajes de ficción y documentales como director, productor y fotógrafo, entre otros.

 

 

Wences López es fotógrafo y docente. En su trayectoria se cuentan al menos 7 largometrajes y 15 cortometrajes en los que se ha desempeñado como foquista de cámara, además de diversos proyectos de publicidad y televisión. Ha participado en diversas exposiciones colectivas.

 

Para conocer más sobre la coreografía se puede visitar el sitio oficial, rednacionaldearte.com/ceniza

Festival Cine Independiente CDMX

Un nuevo Festival de Cine Independiente llega a la Capital

Un Festival para Celebrar el Cine Independiente en la CDMX.

Festival Cine Independiente CDMX

El Festival de Cine Independiente de la Ciudad de México acaba de lanzar su convocatoria internacional para recibir proyectos listos para estrenarse. Las secciones en competencia son las siguientes:

Cortometraje de Ficción
Podrán inscribirse trabajos mexicanos o extranjeros finalizados entre el 2016 y 2018, con una duración máxima de 35 minutos (créditos incluidos). Se aceptarán piezas realizadas bajo cualquier técnica, incluyendo animación.

Cortometraje Documental
Se aceptarán documentales de realizadores nacionales o internacionales con una duración máxima de 35 minutos (créditos incluidos), finalizados durante el 2016 y 2018, hechos bajo cualquier técnica, incluyendo animación.

Largometrajes
Podrán concursar películas nacionales e internacionales de ficción con una duración mayor a 60 minutos, terminadas entre el 2016 y 2018.

Para más información, consulta la convocatoria en la página oficial.