🎬 Descubre lo mejor de esta 9ª edición
Las películas ganadoras de Mejor Videodanza, Mejor Diseño Sonoro, Mejor Edición, Mejor Dirección y Mejor Videodanza documental, estarán disponibles aquí para disfrutar en línea durante todo el domingo 17 de agosto de 2025.
A mother’s odyssey – Dir. Anna Fransen – Países Bajos
Aeterna – Dir. Hannah Goodman – Reino Unido
All of Us – Dir. Charlotte Griffin – EUA
Convivencia – Dirs. John Jota Leaños, Vanessa Sanchez – EUA
DuEls – Dirs. Jonas Åkerlund, Damien Jalet, Erna Omarsdottir – Noruega
dust – Dirs. Noelle Kayser – EUA
EL CORAZÓN NO ES UNA BOMBA – Dir. Felipe Matias Díaz Galarce – Chile
El Fuego Hecho de Huesos – Dir. Daro Ceballos, Argentina
Hong Kong Ballet: Tutu Academy – Dir. Dean Alexander – EUA
In Presence – Dir. Navio Mehdinejad
IN VIADI – Dir. Alun Meyerhans, Ellen Wolf – Suiza
Inside the Cauldron – Dirs. India Ayles, Sophie Mei Birkin – Reino Unido
Khimairas of the Kinesphere – Dir. Eric Souther, Kelsey Paschich – EUA
La Incapacidad de decir no – Dirs. Begoña Malo, Dennise Figueroa – México
Les Saisons de la danse – Dir. Tommy Pascal, Peeping Tom, Imre & Marne van Opstal, Bobbi Jene Smith & Or Schraiber, Emilie Leriche – Bélgica, Francia, Alemania
Marée Noire – Dir. Chantal Caron – Canadá
Noora – Dir. Anna Kekkonen – Finlandia
عيب (Shame) – Dir. Hadi Moussally – Líbano
The Apple of Discord – Dir. Elizaveta Melnikova – Rusia
THE BUTTERFLY – Dirs. Satya Prakash Gautam, Gili Twena – India
UN, DOS… – Dir. Verònica Font – España
WEST – 155 Breakdance collectief – Países Bajos
Woman of Water – Dir. Editta Braun – Austria
악수2 (The handshake Two) – Dir. Jeong-hun Lee – República de Corea
蒲公英 (The Wanderer) – Dir. Sze-Wei Chan – Singapur
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¡Muchas felicidades por ser parte de esta celebración del cuerpo en movimiento!
Nos vemos en agosto con funciones en distintas alcaldías de la Ciudad de México.
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En la era del cine digital y la globalización, los límites entre géneros cinematográficos y otras disciplinas artísticas se han vuelto cada vez más difusos. A medida que la tecnología avanza, también lo hace la forma en que los creadores de arte interactúan y experimentan con el lenguaje audiovisual. A continuación, te contamos la historia de dos proyectos revolucionarios que han cambiado la forma en que entendemos el cine y la performance en el arte contemporáneo.
«The Clock» de Christian Marclay
En 2010, el artista y cineasta suizo Christian Marclay presentó su obra maestra «The Clock», una instalación de video de 24 horas que consiste en miles de fragmentos de películas y programas de televisión que representan relojes o mencionan el tiempo. Cada clip está sincronizado con la hora del día en tiempo real, convirtiendo la obra en un reloj funcional y una experiencia cinematográfica única.
«The Clock» es un ejemplo perfecto de cómo se pueden fusionar el cine y la performance en una obra de arte contemporánea. Al reunir fragmentos de películas de diferentes épocas, géneros y culturas, Marclay crea una narrativa fluida y envolvente que obliga a los espectadores a cuestionar su relación con el tiempo y la memoria.
«Sleep» de Max Richter
El compositor británico Max Richter es conocido por su habilidad para combinar la música clásica con elementos electrónicos y experimentales. En 2015, lanzó «Sleep», una obra musical de ocho horas de duración diseñada para ser escuchada mientras se duerme. Sin embargo, lo que hace que «Sleep» sea una verdadera fusión de cine y performance es su presentación en vivo.
En sus espectáculos de «Sleep», Richter y su conjunto musical tocan la pieza en su totalidad durante la noche, mientras los espectadores duermen en camas dispuestas en el lugar del evento. La experiencia combina elementos de cine, música y performance en un evento inmersivo que desafía las convenciones de los conciertos tradicionales y la relación entre el público y los artistas.
Estos dos proyectos demuestran cómo el cine y la performance pueden unirse en formas innovadoras y sorprendentes, rompiendo las barreras entre disciplinas artísticas y expandiendo las posibilidades de la creación contemporánea. En un mundo en constante evolución, es emocionante imaginar cómo seguirá desarrollándose el arte en las próximas décadas.
[Workshop de Live Cinema]
Inscríbete a este taller y crea tu propio proyecto de Live Cinema con el reconocido artista JL Martin (Antropotrip). Puedes encontrar más información aquí.
Cuando George Lucas concibió «La guerra de las galaxias», tenía claro que quería transportar a los espectadores a un universo completamente distinto al nuestro. Para lograr esto, no solo se necesitaban efectos visuales espectaculares, sino también un diseño sonoro que hiciera sentir al público como si realmente estuvieran en una galaxia lejana.
Para lograr este objetivo, Lucas contrató a Ben Burtt, un joven diseñador de sonido que rápidamente demostró su talento para crear efectos sonoros únicos e inolvidables. Burtt se sumergió en la creación de un universo sonoro que incluía desde el zumbido de los sables de luz hasta los rugidos de las criaturas alienígenas.
Innovación y experimentación: el lenguaje de los personajes no humanos
Uno de los mayores retos que enfrentó Burtt fue dar vida a los personajes no humanos de la película, como R2-D2 y Chewbacca. En lugar de recurrir a sonidos preexistentes, Burtt experimentó con grabaciones de animales y objetos cotidianos para crear voces únicas y expresivas para estos personajes icónicos. El resultado fue un lenguaje sonoro que se sintió auténtico y emocionalmente resonante.
Los sables láser: un sonido icónico en la historia del cine
Burtt tenía la difícil tarea de idear un sonido que fuera a la vez poderoso y etéreo, que evocara la energía y la gracia de estos guerreros galácticos. Para lograrlo, combinó dos sonidos completamente diferentes: el zumbido de un proyector de películas antiguo y la interferencia de un televisor en una habitación vacía.
Burtt grabó el sonido del motor de un proyector de cine en la sala de proyecciones de la Universidad del Sur de California, donde estudiaba en ese momento. Este sonido mecánico y constante proporcionó la base para el zumbido de los sables láser. A continuación, Burtt descubrió accidentalmente el otro componente clave del sonido mientras grababa la interferencia de un televisor en una habitación vacía. Al mover el micrófono hacia atrás y hacia adelante frente al televisor, Burtt notó cómo el sonido cambiaba de tono e intensidad, creando un efecto similar al que se produce cuando los sables láser se balancean en el aire.
Una vez que tuvo ambos sonidos, Burtt los mezcló y los modificó electrónicamente para crear el sonido característico de los sables láser. El resultado final es una mezcla perfecta de lo mecánico y lo etéreo, de lo antiguo y lo futurista, que ha llegado a simbolizar el enfrentamiento eterno entre el bien y el mal en la saga de Star Wars.
Últimos lugares: Taller de Diseño y Postproducción Sonora
Durante Mayo, Adrianna Maldonado (Coordinadora de Postproducción en Labo Digital y diseñadora sonora de múltiples series y películas en plataformas como Netflix, Mubi y HBO) impartirá un taller enfocado en Diseño Sonoro para Cine. Puedes encontrar más información aquí.
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En 1979, Francis Ford Coppola estrenó «Apocalypse Now», una adaptación de la novela «El corazón de las tinieblas» de Joseph Conrad, ambientada en la Guerra de Vietnam.
Walter Murch, el diseñador de sonido de la película, fue pionero en el uso de técnicas de sonido envolvente para crear una experiencia auditiva única. Su enfoque innovador en la edición de sonido y trabajo en mezcla transformó la forma en que se percibía el diseño sonoro en el cine.
La escena del helicóptero: narrativa y sonido en perfecta armonía
Una de las escenas más icónicas de «Apocalypse Now» es el ataque aéreo de los helicópteros al amanecer, acompañado por la música de Richard Wagner. Esta escena es un ejemplo perfecto de cómo la música, el diseño sonoro y la narrativa se unen para contar una historia impactante y emocional.El estruendo de los helicópteros mezclado con la música de Wagner crea una atmósfera intensa y apocalíptica que sumerge a los espectadores en el caos de la guerra. La sincronización perfecta con la acción en pantalla realza la sensación de desesperación y destrucción.
Esta escena de ataque aéreo no solo es icónica por su uso magistral de la música, sino también por los efectos y el diseño sonoro que la enriquece. Al analizar la escena, podemos comprender mejor cómo estos elementos se combinan para crear una experiencia cinematográfica impactante.
Los efectos de sonido en esta escena cumplen un papel fundamental en la construcción de la atmósfera y en la transmisión de la intensidad del combate. Los helicópteros son protagonistas en la secuencia, y su sonido característico es clave para sumergir a los espectadores en el escenario de guerra.
Walter Murch trabajó meticulosamente en la grabación y edición de los sonidos de los helicópteros para que fueran lo más realistas posible. Estos efectos de sonido proporcionan una base sólida sobre la cual se construye el resto del diseño sonoro de la escena.
Diseño sonoro: una mezcla dinámica y envolvente
Más allá de los efectos de sonido, el diseño sonoro de la escena del helicóptero juega con la ubicación y la dirección de los sonidos para crear una experiencia envolvente y dinámica. Murch utilizó técnicas innovadoras de mezcla en múltiples canales para posicionar los sonidos de los helicópteros en diferentes partes del espacio sonoro, haciendo que los espectadores sientan que están rodeados por la acción.
Además, el uso de la dinámica en el diseño sonoro es crucial para aumentar la tensión y el impacto emocional de la escena. Los momentos de silencio y calma son interrumpidos abruptamente por el estruendo de los helicópteros y las explosiones, lo que provoca un contraste emocional que refuerza la naturaleza caótica y desgarradora de la guerra.
El legado de «Apocalypse Now» en el diseño sonoro
El trabajo de Walter Murch en «Apocalypse Now» cambió la forma en que los cineastas y diseñadores de sonido abordan el sonido en el cine. Desde entonces, el diseño sonoro ha sido reconocido como un elemento crucial en la narración cinematográfica, y se ha explorado y perfeccionado a lo largo de los años.
La película también dejó un legado en la industria del cine, alentando a los cineastas a experimentar con técnicas de sonido envolvente y a crear experiencias auditivas más ricas e inmersivas para el público.
El caso de «Apocalypse Now» es un ejemplo notable del poder del diseño sonoro en la narrativa cinematográfica. La película sirvió como un punto de referencia para futuras generaciones de cineastas y diseñadores de sonido, mostrando cómo el sonido puede contar historias y evocar emociones, llevando al espectador a un viaje inolvidable.
ÚNICA EDICIÓN: Taller de Diseño y Postproducción Sonora
Durante Mayo, Adrianna Maldonado (Coordinadora de Postproducción en Labo Digital y diseñadora sonora de múltiples series y películas en plataformas como Netflix, Mubi y HBO) impartirá un taller enfocado en Diseño Sonoro para Cine. Puedes encontrar más información aquí.
El Live Cinema es una forma de arte audiovisual en la que el cine, la música, el teatro y la tecnología se fusionan para ofrecer una experiencia cinematográfica en tiempo real. A diferencia del cine tradicional, que presenta una película ya filmada y montada, el Live Cinema se realiza y se proyecta simultáneamente, permitiendo una interacción única entre los artistas y el público.
El Live Cinema tiene sus raíces en las primeras proyecciones cinematográficas del siglo XX, cuando los músicos en vivo acompañaban las películas mudas. Con el tiempo, esta práctica evolucionó y se fusionó con otras disciplinas artísticas, como la performance, el videoarte y la tecnología digital.
Hoy en día, el Live Cinema es una forma de arte en constante evolución que desafía los límites de la narrativa y la creatividad.
Algunos de los formatos del Live Cinema:
El Live Cinema puede adoptar múltiples formatos y estilos, como:
VJing: Es la práctica de mezclar y manipular videos en tiempo real, a menudo en conjunto con un DJ o músico en vivo. Los VJs (Video Jockeys) utilizan programas de software y controladores para generar imágenes y efectos visuales que complementan la música.
Performance audiovisual: Combina elementos de teatro, danza, música y video en una única presentación en vivo. Los artistas interactúan con las imágenes proyectadas, creando un diálogo entre lo virtual y lo real.
Cine-concierto: Aquí, una banda sonora en vivo acompaña a una película, generalmente clásica o de cine mudo. Los músicos interpretan la música en sincronía con las imágenes proyectadas en la pantalla.
Instalaciones interactivas: Estas obras de arte permiten al público interactuar con el contenido audiovisual a través de sensores, controladores y dispositivos móviles. La participación del público influye en el resultado de la obra, convirtiéndola en una experiencia única y personal.
El impacto del Live Cinema en la experiencia cinematográfica
El Live Cinema está cambiando nuestra percepción del cine al ofrecer una experiencia más inmersiva y participativa. La combinación de elementos en vivo y la interacción entre artistas y público crea un ambiente dinámico e impredecible que despierta emociones y estimula los sentidos.
Al redefinir los límites de la creatividad y la tecnología, el Live Cinema también abre nuevas oportunidades para los cineastas y artistas que buscan experimentar con nuevos formatos y narrativas.
El futuro del Live Cinema
A medida que la tecnología avanza y las herramientas de producción audiovisual se vuelven más accesibles, el Live Cinema continua creciendo y evolucionando en nuevas y emocionantes direcciones. La realidad virtual y aumentada, la inteligencia artificial y las redes 5G tienen el potencial de transformar aún más la experiencia del Live Cinema, permitiendo una inmersión más profunda y nuevas formas de interacción entre artistas y público.
[LIVE CINEMA EN MÉXICO]
Workshop de Live Cinema
Si te gustaría explorar y diseñar tu propio proyecto de Live Cinema, tienes la posibilidad de acceder a un workshop con el reconocido artista JL Martin (Antropotrip). Puedes encontrar más información aquí.
El Festival de Cine Independiente de la Ciudad de México en colaboración con Red Nacional de Arte convocan al taller “Documental Social: Hacia un Cine de Impacto”. Este taller es parte del Programa Académico del festival, creado durante el 2019 para promover el desarrollo cinematográfico independiente a través cursos, laboratorios y eventos dirigidos a interesados en el cine, las artes visuales y los nuevos medios.
Durante el taller, que se llevará a cabo de forma virtual del 15 al 22 de Diciembre de 2020, se desarrollarán proyectos de no-ficción que sean propensos a distribuirse ante públicos específicos en donde funjan como herramienta potencial de transformación social. Todas las sesiones se grabarán y los links se proporcionarán a los participantes para su descarga, con la intención de que no pierdan tiempo grabando desde sus dispositivos y aprovechen el taller al máximo.
Para más información, visitar el sitio https://festivalcineindependiente.com/documentalsocial
Con la intención de contribuir a diversificar la oferta cultural en casa durante la presente contingencia, el Festival Internacional de Videodanza de la Ciudad de México en colaboración con Red Nacional de Arte han reactivado la plataforma online del festival, en donde se pueden ver videodanzas nacionales e internacionales que formaron parte de la cuarta edición.
Algunas de las videodanzas disponibles para verse desde cualquier parte del mundo son: “Wild-er-ness” de Ana Baer y Heike Salzer, “Cross-cap” de Lícia Arosteguy, “Las flores en el jardín” (creación colectiva), “Shadow” de Metamorphosis Dance, “Solsticio” de Nohbords, “Searching for Wonder” de Greg Osei, “Flamenco” de Manuel Díaz, “Swing Time” de Brian Hollins, “Alter, el espacio que compartimos” de Roxana Morales, “T.I.A. (THIS is Africa)” de Matthieu Maunier-Rossi, “Propiocepción” de Andrés Tonacatecuhtli y Diego Marín, “4 ~” de Rodrigo Rocha-Campos, “Monje” de Aly Rose, o “Tonantzin” de Alberto Munguía. Se espera extender el catálogo y añadir más videodanzas en los próximos días.
La plataforma estará activa durante los meses de abril y mayo, y el visionado de los proyectos es completamente gratuito. Las videodanzas ofrecidas son parte de la selección del 4 Festival de Videodanza de la Ciudad de México, que tuvo lugar durante el 2019.
Por otra parte, el Festival mantiene abierta su convocatoria para la quinta edición, que se llevará a cabo del 10 al 13 de Septiembre de 2020. La convocatoria cerrará el 09 de agosto e invita a realizadores mexicanos y extranjeros a presentar trabajos que hagan uso de cualquier lenguaje corporal que converja con el lenguaje cinematográfico. Puede revisarse en el sitio del festival.
Para acceder a la plataforma en línea no es necesario crear ningún tipo de cuenta. Basta con ingresar a la dirección https://festivalvideodanza.com/online
El proyecto dirigido por Adán Ruiz comenzó apenas su recorrido por festivales. Se presentó en la pasada edición de Doqumenta, y estará compitiendo además en el Festival de Cine de Oaxaca y Black Canvas Festival de Cine Contemporáneo. Más festivales y proyecciones se estarán anunciando en los próximos meses.
La película fue filmada con habitantes no-actores de una isla en Michoacán:
Un pescador p’urhépecha medita sobre sus últimos días. En el lago que rodea su hogar, distintos tiempos coexisten, la luna eleva la marea y con su luz revela secretos que no son visibles durante el día. Poco tiempo resta antes de que el pescador quede atrapado para siempre en las aguas místicas donde susurran todas las voces.
El teaser tráiler de la película puede verse a continuación:
Con una fotografía de Francisco Herrera y música original de Mariana Bojorges y Frank Castella, el proyecto llegará a las pantallas morelianas en octubre próximo.
El Festival Internacional de Videodanza de la Ciudad de México en colaboración con Red Nacional de Arte cubrirá el costo de inscripción de hasta dos personas al 2do Laboratorio de Videodanza que se llevará a cabo el próximo mes en la Galería Afirme.
El laboratorio se realizará del 3 de Agosto al 14 de Septiembre, con 10 sesiones los sábados y domingos de 12 a 16 horas. Está dirigido a estudiantes y profesionales de danza, coreografía, artes visuales y nuevos medios.
Para participar por la beca sigue los siguientes pasos:
Las personas que resulten becadas se comprometen a asistir a todas las sesiones del laboratorio.
Sólo se aceptarán postulaciones individuales y no de grupos o colectivos. Pueden participar personas que ya hayan pagado su inscripción al laboratorio (en caso de resultar acreedores a la beca, se les devolverá pago realizado).
El objetivo de la presente convocatoria es apoyar trabajos en estado de desarrollo cuya idea se encuentre ya con cierto avance en el proyecto, por lo que se recibirán propuestas hasta el 31 de julio de 2019.
Se informará personalmente a la o las personas que resulten ganadoras el día 1 de agosto de 2019.
Para cualquier duda, escribir a cursos@rednacionaldearte.com
El Festival Internacional de Videodanza de la Ciudad de México y Red Nacional de Arte abren el registro para el 2do Laboratorio de Videodanza, dirigido a estudiantes y profesionales de danza, coreografía, artes visuales y nuevos medios.
Se llevará a cabo en las instalaciones de la Galería Afirme del 3 de Agosto al 14 de Septiembre, con 10 sesiones los sábados y domingos de 12 a 16 horas.
En camino a la cuarta edición del festival, nuestra misión es expandir la práctica de la videodanza a través del Programa Académico impartido a estudiantes de danza, coreografía, artes visuales y nuevos medios para que cuenten con las bases de la producción audiovisual fomentando la profesionalización en las propuestas de videodanza mexicanas.
Los facilitadores del laboratorio serán Adán Ruiz y Yuki Pastrana.
Adán Ruiz es fotógrafo, productor y realizador cinematográfico. Estudió la Licenciatura en Medios Interactivos en la Universidad de Morelia. Posteriormente ingresó a la carrera de cinematografía en el Centro Universitario de Estudios Cinematográficos (hoy Escuela Nacional de Artes Cinematográficas) de la UNAM. Se ha desempeñado como director, productor y cinefotógrafo de diferentes contenidos audiovisuales. Su trabajo se ha expuesto en distintos foros, galerías, museos y festivales de México y el mundo, haciéndose acreedor a distintos reconocimientos internacionales. Actualmente colabora con la Red Nacional de Arte como productor de múltiples proyectos.
Yuki Pastrana es bailarina y coreógrafa multidisciplinar. Su investigación está enfocada al paisaje mexicano, siendo el cuerpo eje de estudio y acción en distintos formatos de espacios como el video, la fotografía, el diseño y el performance. Su trabajo ha sido expuesto en la Fundación Sebastián, el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris, el Palacio Clavijero, el Museo de la Cancillería y la Cineteca Nacional. Actualmente dirige “Silba la Soledad” proyecto de la Selva Lacandona y el Festival Internacional de Videodanza de la Ciudad de México en colaboración con Red Nacional de Arte.
Para más información, registrarse en el siguiente link:
Escena Contemporánea MX celebrará su segunda edición el viernes 21 de junio a las 20 horas con la presentación de las coreografías “Raised by Gods” de Nohbords y “Ojo de Mujer” de Yuki Pastrana.
Además, con el apoyo del Festival Internacional de Videodanza de la Ciudad de México (FIVideodanza) se llevarán a cabo las proyecciones de Hydra (Dir. Erin S. Murray, Estados Unidos), Vanitas (Dir. Vinícius Cardoso, Brasil), BOOKANIMA: Dance (Dir. Shon Kim, Corea del Sur) y Chimera (Dir. Steven Briand, Francia).
Nohbords es un proyecto de danza contemporánea y arte visual dedicado al estudio, la exploración del cuerpo y el movimiento, dirigido por Diego Mur con sede en la Ciudad de México. Desde 2014 suma la colaboración de artistas con diversos enfoques de creación para realizar trabajos como corto documental, de ficción, videoarte, piezas coreográficas, intervenciones con arte multimedia, residencias artísticas y talleres de movimiento con el fin de expandir su trabajo hacia campos alternativos de presentación.
“Raised By Gods” es un dueto de danza contemporánea inspirado en la manera de ver e interpretar el mundo de los Wixárikas o Huicholes. La pieza pretende alcanzar estados físicos de gran profundidad y conexión, convirtiéndose en una danza de carácter introspectiva y ritual.
La coreografía es de Diego Mur, el diseño y realización de vestuario de Mauricio Asencio, la música original de Sebastián Lechuga, iluminación de Sebastián Solórzano y los bailarines que la interpretarán serán Diego Mur y Diego Vértiz.
El trabajo de Yuki Pastrana está enfocado a la coreografía de paisaje, siendo el cuerpo en acción eje de estudio en formatos como la fotografía, el video y el diseño. Actualmente trabaja en el proyecto multidisciplinar Silba la Soledad, con objetivo de difundir el valor de la biodiversidad que la Selva Lacandona brinda al país.
“Ojo de Mujer” es una danza creada en sitio específico de la selva con forma de ojo de mujer que observa su transformación. Este sitio se encuentra entre el Río Lacantún, que protege la vida remanente de la selva, y el Río Xaclbal proveniente de Guatemala. Es la primera acción escénica del proyecto Silba la Soledad, y fue estrenada el pasado mes de abril en el complejo cultural de la UNAM. El vestuario fue hecho por la lacandona Koh María, el diseño sonoro es de 21H, y la coreografía e interpretación está a cargo de Yuki Pastrana.
La Galería Afirme busca impulsar la difusión de las expresiones artísticas y apoyar a los creadores de diferentes disciplinas. Su principal objetivo es acercar el arte al público de la ciudad de México, así como contribuir en el conocimiento y difusión de los artistas más destacados de hoy. Se ubica en Plaza de la República 26, piso 1, a un costado del Monumento a la Revolución.
Para conocer más sobre el evento se puede visitar el sitio oficial https://rednacionaldearte.com/escena y el evento en Facebook.
Escena Contemporánea Vol. II
Viernes 21 de Junio
20 hrs.
Galería Afirme
De La República 26, Piso 1. Col. Tabacalera, Ciudad de México.
Boletos disponibles aquí.